 Греческий театр зародился в Афинах в VI веке до нашей эры, в рамках религиозных праздников с постановкой трагедии, которая, в свою очередь, вдохновила на создание греческой комедии. Эти два типа представлений были чрезвычайно популярны, их представления распространились по всему Средиземноморью и оказали влияние на эллинистический и римский театр.
Доказательством их неизменного успеха являются произведения таких великих драматургов, как Софокл, Еврипид и Аристофан, которые заложили основу, на которой базируется весь современный театр. Точно так же архитектура древнегреческих театров продолжает вдохновлять театральный стиль и по сей день.
Истоки трагедии
Точное происхождение трагедии (tragōida) является предметом споров среди ученых. Некоторые связывают возникновение этого жанра с более ранней формой искусства — лирическим представлением эпических поэм. Другие предполагают тесную связь с обрядами, совершаемыми во время церемоний в честь Диониса, такими как принесение в жертву козлов – певческий ритуал, называемый trag-ōdia – и использование масок. Фактически Дионис стал известен как бог театра и, возможно, еще одна связь лежит в ритуалах запоя, во время которых участники полностью теряли контроль над своими эмоциями, становясь по сути другим человеком, таким же, как и актеры (hupokritai) надеются сделать, когда действуют в опьянённом состоянии. Музыка и танец дионисийских обрядов особенно проявлялись в роли хора и музыке, воспроизводимой авлосами. Однако даже в разговорных частях сохранились ритмические элементы в использовании четырехстопного хорея и трехстопного ямба.
Греческая трагедия
Спектакли проходили в театрах под открытым небом (театрон), оборудованных грозной акустикой и открытых, видимо, для исключительно мужского населения (присутствие женщин является предметом обсуждения) и с середины V в. до н.э. вход был бесплатным. Сюжет трагедии почти всегда был вдохновлен эпизодами греческой мифологии, которые, следует помнить, часто были частью религии. Поскольку это были серьезные темы, часто связанные с моральными принципами и неразрешимыми дилеммами, сцены насилия не допускались на сцену, а смерть персонажа приходилось воссоздавать за кадром, чтобы ее услышали, но не увидели. Точно так же, по крайней мере на начальном этапе развития жанра, поэт не мог включать в свои произведения политические заявления или какие-либо комментарии.
В первых трагедиях был только один актер, который действовал в костюме и маске, позволяющих ему изображать богов. Именно здесь, возможно, мы можем увидеть связь с древними религиозными обрядами, в которых церемонии совершал священник. Со временем актер стал часто обращаться к руководителю хора, группы актеров, которая могла насчитывать 15 человек (все мужчины), которые пели и танцевали, но не говорили. Это нововведение, произошедшее около 520 г. до н.э., приписывают поэту Теспиду, благодаря которому актер теперь мог также менять сценические костюмы во время спектакля (с помощью небольшого занавеса, помещенного за сценой, skēne, который в более поздний период превратился бы в монументальный фасад), разделив таким образом произведение на разные эпизоды. Эти интермедии впоследствии станут настоящими музыкальными интерлюдиями. Наконец, на сцену допускались три актера, но не более — ограничение, гарантировавшее равенство соревнующихся поэтов. Однако в пьесе могло участвовать неограниченное количество актеров, не говорящих ни слова, поэтому постановка спектаклей при большей доступности средств могла бы быть более грандиозной. Учитывая небольшое количество говорящих актеров, каждому из них приходилось играть разные роли, для которых крайне важным стало использование масок, костюмов, голосов и жестов.
Знаменитые конкурсанты и драматурги
Самый известный конкурс по изображению трагедии был частью весенних празднеств, проходивших в Афинах в честь Диониса Элевтерия, известного также как город Дионисий архонт, высшее должностное лицо города, решал, какие оперы будут исполняться во время конкурса и кто из горожан будет chorēgoi, то есть те, кто имел честь финансировать постановку, тогда как государство платило поэту и главным актерам. Каждый выбранный поэт должен был подготовить три трагедии и одну сатиру, своего рода короткую пародию на мифологическую тему, характеризуемую хором сатиров, диких последователей Диониса. Представления оценивало в тот же день жюри, и обычно призом победителю, помимо почета и престижа, был бронзовый котел-тренога. С 449 г. до н.э. также были учреждены призы для главных действующих лиц (prōtagōnistēs).
Поэты, которые регулярно писали пьесы для этих конкурсов, прославились, и тремя наиболее успешными были Эсхил (ок. 525–456 до н.э.), Софокл (ок. 496–406 до н.э.) и Еврипид (ок. 484–407 до н.э.). Эсхил стал известен тем, что представил второго актера, добавил больше диалогов и создал сиквелы. Он описал свою работу как «остатки пиршества Гомера» (Burn 206). Софокл пользовался огромной популярностью и добавил и декорации, и третьего актера. Еврипид получил признание за блестящие диалоги, реализм и привычку задавать публике неудобные и провокационные вопросы на повседневные темы. Произведения этих трёх авторов ставились в театрах, а также переписывались для создания версий, предназначенных для массового распространения и обучения в рамках образовательного пути всей молодёжи.
Истоки греческой комедии
Точные истоки греческой комедии теряются во мраке предыстории, но человеческая деятельность, включавшая переодевание и подражание другим, определенно возникла задолго до письменных источников. Одним из первых свидетельств этой деятельности в греческом мире являются украшения на керамике, датируемые VI веком до нашей эры на которых часто изображались актеры, переодетые лошадьми, сатирами и танцорами, в эффектных костюмах. Стихи Архилоха (7 век до н.э.) и Гиппонакса (6 век до н.э.) также были одними из первых источников вдохновения для комедии, характеризующейся грубым и откровенным сексуальным юмором. По сообщению Аристотеля, другое происхождение комедии лежит в фаллических песнях, исполняемых во время дионисийских празднеств.
Греческая комедия
Несмотря на новшества, пьеса имела традиционную структуру. В первом отделении, названном Parados, на сцену выходил хор из 24 актеров и исполнял серию песен и танцев. Используемые экстравагантные костюмы, призванные шокировать, могли изображать что угодно: от гигантских пчел с огромными жалами до рыцарей, скачущих на другом человеке, имитирующем лошадь, или даже набор кухонной утвари. Во многих случаях название спектакля было вдохновлено припевом, например, Осы Аристофана.
Вторая часть спектакля, называемая agon, часто состояла из остроумных вопросов и ответов или дискуссии между главными действующими лицами, характеризующейся сюжетом, богатым фантастическими элементами, частой сменой сцен, а иногда и импровизацией. Третьей частью комедии был парабас, во время которого хор обращался непосредственно к зрителям, выступая вместо поэта. Финал спектакля был известен как исход, после чего хор устраивал еще одно захватывающее представление с танцами и пением.
Как и в трагедии, все актеры, певцы и танцоры были мужчинами. Все ораторские партии исполняли ведущий актер и еще двое исполнителей. Иногда допускался четвертый актер, но только в том случае, если его роль не была центральной в сюжете. В комедиях авторы имели возможность более открыто подойти к актуальным проблемам, чем в формальном жанре трагедии. Самыми известными драматургами были Аристофан (460–380 до н.э.) и Менандр (ок. 342–291 до н.э.), выигравшие несколько конкурсов, как и великие трагики. В их произведениях часто высмеивались политики, философы и коллеги-художники, некоторые из которых иногда присутствовали в зале. Менандру также приписывают помощь в создании еще одной версии комедии, известной как новая комедия (таким образом, предыдущая постановка получила название древней комедии). Менандр представил молодого любовника как главного героя, который стал вместе с другими фиксированными масками, такими как повар и лукавый раб, фундаментальным элементом жанра. Кроме того, для новой комедии характерно изображение обычных людей с их повседневными проблемами, а также неожиданные повороты событий и интрига.
В те далекие времена, какого-либо оснащение театральных залов собственно и не было, только самое необходимое.
Влияние греческого театра
Продолжали писать и ставить новые пьесы, а с рождением в III веке до н.э. гильдий актеров и работы странствующих театральных трупп, греческий театр продолжал распространяться по Средиземноморью, становясь обычным элементом городского пейзажа от Великой Греции до Малой Азии. В римском мире эти произведения переводились и имитировались на латыни, дав начало, начиная с I века до нашей эры, новому виду искусства — пантомиме, черпавшему вдохновение из структуры и тем греческой трагедии. В этот период театр окончательно зарекомендовал себя как популярный вид развлечения, дошедший до наших дней. Даже оригинальные пьесы V века до нашей эры, в которых исследуются универсальные и вневременные темы, продолжают очаровывать современную театральную публику во время своих неоднократных представлений по всему миру, в том числе в древнегреческих театрах, таких как Эпидавр.
|
